Salud Indígena

Esta semana participé del "TALLER SOBRE INTERCULTURALIDAD EN SALUD: La cosmovisión de las comunidades indígenas sobre la interculturalidad en salud" que se realizó en Buenos Aires, 28, 29 y 30 de octubre de 2009 organizado por el Area de Salud Indígena del Ministerio de Salud de la Nación. Participaron representantes de Organizaciones Indígenas y miembros de comunidades de todas las provincias del NEA, NOA, y Cuyo (lamentablemente no pudieron hacerse presente los compañeros de Patagonia y Centro que también, desde luego, fueron invitados) y como resultado se entregó un documento con propuestas de trabajo elaboradas y presentadas por los propios representantes indígenas a las autoridades del Ministerio. A continuación transcribo los fundamentos de la convocatoria, y los objetivos generales y específicos del encuentro.

Fundamentos de la Convocatoria

A partir del lanzamiento del Programa Médicos Comunitarios. Equipos del Primer Nivel de Atención se decide la fusión del Programa ANAHI y del Subprograma Médicos Comunitarios para Pueblos Originarios en el nuevo Subprograma Salud Indígena, con el objetivo de potenciar las acciones de salud destinadas a los Pueblos Indígenas, ampliando la cobertura existente incorporando a los Agentes Sanitarios Indígenas en Equipos de Salud compuestos por médico, enfermero, y profesionales de apoyo, y expandir el área de influencia geográfica y étnica de las acciones de salud a todas las provincias en la que resida población indígena. La estrategia general del Subprograma Salud Indígena consiste en diseñar y proponer acciones, desde una perspectiva intercultural, orientadas a identificar y remover barreras de accesibilidad que condicionan el acceso de la población indígena al sistema público de salud, sean estas económicas, geográficas, sociales, culturales, lingüísticas, etc.

Definimos como "perspectiva intercultural" aquella que en sus prácticas convoca a la participación previa, libre, e informada de los Pueblos Indígenas tanto en el diseño, ejecución, seguimiento y evaluación de los planes e intervenciones de salud en sus territorios y/o Comunidades. De modo que el objetivo general del Subprograma puede ser enunciado como mejorar la cobertura de salud de las Comunidades Indígenas mediante la conformación de Equipos del Primer Nivel de Atención, de carácter interdisciplinarios y con formación y experiencia en la práctica de la interculturalidad, que garanticen la accesibilidad, la calidad de la atención, y el consentimiento libre, previo e informado de dichas Comunidades. En este contexto es que una de las primeras tareas que nos hemos propuesto es escuchar las voces de las comunidades indígenas que por cierto son diversas y plurales dada la cantidad de Pueblos Indígenas que habitan en la Argentina. Cada uno de ellos posee una vasta trayectoria histórica y cultural, durante la cual ha logrado un cúmulo de saberes, experiencias y prácticas. Por supuesto también problemas, soluciones y propuestas. Algunas de las cuales serán compartidas en este Taller.

Objetivo General

Generar un espacio para que los referentes y representantes de Comunidades y Organizaciones Indígenas puedan exponer su cosmovisión, sus puntos de vista, sus propuestas de trabajo, y sus saberes, sobre la interculturalidad en salud.

Objetivos Específicos

Conocer los puntos de vista y las propuestas de trabajo de las Comunidades Indígenas sobre las siguientes problemáticas:

¿Cómo se define la salud y la enfermedad? Sobre la salud y la enfermedad desde la cosmovisión indígena.

¿Qué es la Interculturalidad en Salud? Sobre las prácticas de salud en las Comunidades Indígenas, sus experiencias, problemas, y propuestas.

¿Cómo articular medicina tradicional y medicina oficial? Sobre medicina "tradicional" y medicina "oficial", situación actual, propuestas y perspectivas para su articulación.

¿Cómo debería ser la participación de los Pueblos Indígenas en el ámbito de la Salud Pública? Sobre la consulta previa, libre e informada: situación actual, propuestas y perspectivas para su implementación en el ámbito de la salud.

Lost (Series TV): Teoría sobre los números

A pedido de lectores vuelvo a postear mi teoría sobre los números de Lost, los famosos 4-8-15-16-23-42.

Pueden leerla en este link

Guantánamo: no-lugar de la nuda vida

El discurso de la guerra contra el terrorismo que aparece luego de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Estados Unidos supone una serie de dispositivos de vigilancia y control sobre el conjunto de la población norteamericana institucionalizados a partir del dictado de la llamada Acta patriótica. Lo singular es que no estamos ante un “decreto de necesidad y urgencia” ni un acto unilateral o dictatorial por parte del Poder Ejecutivo norteamericano, sino por una ley aprobada por el Congreso con el voto afirmativo tanto de republicanos como demócratas. El argumento que legitimó el dictado de esta ley fue y es que los norteamericanos debían elegir entre sus derechos constitucionales ó la seguridad nacional. Parafraseando a Michel Foucault, había que defender la sociedad norteamericana del peligro virtual que constituían los propios norteamericanos. Si la guerra contra el terrorismo implicaba someter a los propios damnificados, la sociedad norteamericana, a un estado de excepción de características tan ilegales no resulta sorprendente lo que pudiera llegar a establecerse cuando se tratara de cualquier otra parte del mundo. Y efectivamente así es.

“Combatiente ilegal” es un modo de objetivación que constituye una forma de ejercicio del poder del Estado que expresa, paradigmáticamente, el despliegue en el límite del “estado de excepción”. En rigor, es un límite que establece la ausencia de límites y define, empíricamente, una no-subjetividad que como tal solo puede ser alojada en un no-lugar. Un combatiente ilegal es detenido pero no es acusado de ningún delito, por lo tanto no es juzgado ni goza en lo absoluto de ningún derecho humano, ni siquiera aquellos consagrados en los tratados internacionales sobre la guerra como la Convención de Ginebra ya que no son considerados como prisioneros de guerra. Su carácter de combatiente ilegal lo expone a ser un sujeto absolutamente ilegalizado, recluido en el agujero negro de la base naval de Guantánamo.

Guantánamo es el no-lugar que hace realidad la utopía de un ejercicio del poder sin límites, lo que significaría en términos de Giorgio Agamben, que en realidad suspende el ejercicio mismo del poder. Donde no hay la más mínima posibilidad de resistencia no hay ejercicio del poder, ni poder represivo ni poder productivo, no hay conductas para conducir ni campos de acciones posibles para delimitar, tampoco se aplica la muerte. No obstante, ante el suicidio de tres detenidos en la base militar, en junio de 2006, “el almirante estadounidense Harry Harris, comandante en Guantánamo, dijo que los suicidios fueron claramente planeados y los describió como actos de guerra, más que actos de desesperación, sugiriendo que los presos estaban buscando un golpe propagandístico”. En todo caso, la única resistencia posible es el suicidio al que se asigna el carácter de acto de guerra y golpe propagandístico, clasificaciones biopolíticas que son compatibles con el modo en que son objetivados los combatientes ilegales y que de alguna forma legitiman su clasificación como no-sujeto humano.

Ver también Guantánamo by the Bay

Revista Claseshistoria

La prestigiosa revista digital española Claseshistoria acaba de publicar un artículo de mi autoría titulado "El alma es la cárcel del cuerpo. Hacia una sociología del cuerpo y la argentinidad", texto que inicialmente fue presentado como ponencia en el reciente Congreso de la Asociación Latinoamericana de Sociología (ALAS).

El texto está disponible para su lectura y/o descarga AQUI

Tragedias nacionales

Ya nos hemos acostumbrado a que todos los titulares de noticias sobre sucesos catastróficos que nos interpelan diariamente desde los medios de comunicación vayan acompañados de enunciados tales como: “fue una tragedia”, “otra vez una tragedia”, y otros similares e incluso hasta “fue una tragedia con suerte”. Este discurso de la tragedia opera produciendo un efecto de realidad que por una parte produce un sujeto sujetado al destino o al azar de circunstancias que van más allá de la decisión humana y por la otra hace difusa la trama de relaciones de saber-poder que producen las condiciones de existencia que llevan a que determinados sucesos ocurran. Las “tragedias” argentinas son en realidad el producto de una economía general del poder basada en una compleja trama de ilegalismos en las que el Estado y sus dispositivos son sus principales responsables ya que funcionan para preservar la lógica de reproducción del Capital no solo a nivel económico o político, sino también ético y cultural. No hay un mundo “natural” del cual provienen las “tragedias” sino un mundo social en el que las “tragedias” son producto de una forma determinada de orden social en la que las cosas se presentan como un desorden, tal como ocurre en la sociedad argentina.

Cine argentino: El peronismo

El auge de la sociedad disciplinaria en la Argentina coincide con el período inaugurado con la dictadura militar del 4 de junio de 1943 y que concluirá con la caída del gobierno peronista en 1955. El obrero y el soldado, el Estado proveedor, la captura de los sujetos por parte de la fábrica, la escuela, el cuartel, el hospital, la Iglesia, la cárcel, y los juzgados, y la consigna positivista de “una Nueva Argentina” por construir, civilizada, progresista, justa, libre, soberana, con un destino de grandeza, que deja atrás las rémoras de un pasado oligárquico de atraso, injusticia y corrupción, todo ello es lo que precisamente intenta reproducir (en el sentido de representar) la producción cinematográfica de la época peronista.

Se trata de un cine en el que la ficción –dejo de lado el documental y los “Sucesos argentinos” por considerarlos un uso del dispositivo cinematográfico no-artístico- opera de forma performativa subrayando mensajes pedagógicos, cívicos, y morales que buscan hacer cuerpo conductas adaptativas e integrativas a la “comunidad organizada”. Lo particular del cine peronista es que potencia sus efectos de realidad al constituirse casi excluyentemente en el melodrama, la comedia familiar, y los relatos costumbristas que refractan la vida cotidiana de la clase media urbana y rural convertida en sistemas prácticos de la argentinidad. Aun en las películas que tienen como temática el conflicto social, la clase obrera está ausente así como la simbología peronista, mostrando conflictos que afectaron al proletariado rural y que una voz en off convenientemente incluida en la banda de sonido a manera de “banda de interpretación e interpelación” se encarga de aclarar que ya no existen más porque en el presente ya no existe la injusticia social (caso paradigmático “Las aguas bajan turbias”, de Hugo del Carril)

Desde luego, se trata de un cine cuyo texto fílmico no cuestiona el orden social capitalista sino que establece una diferencia entre el “buen” y el “mal” patrón, entre un capitalismo incluyente y otro excluyente, y entre la dominación burguesa “nacional” y la dominación oligárquica “vendepatria”. De ahí que se combinen un discurso disruptivo (la lucha por la justicia social, la soberanía política, y la independencia económica) con otro adaptativo (comunidad organizada, conciliación de clases, armonía social, tercera posición) en el que los sectores populares deben fungir como aliados de una de las fracciones burguesas en pugna (la burguesía nacional) contra la otra (la gran burguesía agraria), tal el caso de la película “Kilómetro 111”.

Se trata entonces de un discurso que si bien es típicamente propio de la sociedad disciplinaria se diferencia notablemente de los usos fascistas europeos del cinematógrafo así como de las fórmulas directas y simplistas que pretenden dar mensajes “de arriba hacia abajo”. Y en eso reside su gran potencia performativa. Constituye Sujetos-sujetados a las reglas y procedimientos establecidos por los dispositivos de saber-poder por los que todos, sin excepción, deben dejarse capturar para formar parte de la Nueva Argentina.

Fringe (Series TV): Peter Bishop

Los últimos treinta segundos del episodio “Dream Logic” de la serie de televisión Fringe revelan una nueva visión sobre la “realidad alterna” que provoca más preguntas que respuestas. En esa escena final vemos un póster que dice: “Misión Challenger 11. 28 de junio de 1984” con una fotografía del Transbordador Espacial. ¿Por qué digo que es una escena de la “realidad alterna”? porque sencillamente nunca existió una misión 11 del Challenger ya que el 28 de enero de 1986 la misión número 9 terminó en un desastre total, la nave explotó segundos después del despegue muriendo sus siete tripulantes. Luego, en la “realidad alterna” el accidente no sucedió y por eso las misiones Challenger continuaron. Pero aquí solo comienzan los problemas con este bendito póster. Es que hay un problema de sincronía temporal entre ambas realidades: en una realidad, la nuestra, la misión 9 sucede en 1986; pero en la realidad alterna la misión 11 sucede en 1984 es decir dos años antes que en la “nuestra” lo que puede significar dos cosas. O la realidad alterna tiene un desarrollo tecnológico superior a la nuestra y por lo tanto el programa espacial comenzó antes, o no hay sincronía temporal entre ambas realidades. Por otra parte existe otro interrogante. Por contexto la escena que nos muestran parece remitir al evento en el que “nuestro Walter Bishop” secuestra de la otra realidad a “Peter alterno” para traerlo a nuestra realidad. Pero ya sabemos que “nuestro Peter Bishop” murió en 1985, entonces ¿Cómo se explica que el póster en su habitación refiera explícitamente al año 1984? ¿Por qué Walter traería al Peter de la otra realidad un año antes de que éste muriera en nuestra realidad? Aporten interpretaciones, por favor.

El hijo de Hernández

El Cuarteto de Nos acaba de editar su nuevo álbum titulado “Bipolar” y no puedo más que volver a recomendar a todas y todos los que siguen este blog que no dejen de escucharlo. Aquí les dejo la letra del tema que más me gustó “El hijo de Hernández”, forma y contenido que operan como un rayo en la noche y nos permiten pensar críticamente nuestra actualidad desde la perspectiva de una ética y estética que cuestiona las formas de sujeción características de la sociedad de control. Una interpretación del significado de la letra AQUI.


Soy quien soy, no preciso identificación
se bien de donde vengo y donde voy
porque soy lo que soy,
y no quien quieras vos.

Usted me confunde, y no se qué pretende
ya le expliqué pero se ve que no entiende
y esa equivocación es un error grande
yo no soy el hijo de Hernández.

Qué me importa qué diga ese papel
no tengo nada que ver con él
y no voy a mentir aunque me lo demande
yo no soy el hijo de Hernández.

Usted se piensa que soy cínico
y que culpa tengo yo de la casuística
si mi apellido es idéntico
es lógico dice la estadística.

No me siga, ni me pida
que sea cómplice en su mentira.

Soy quien soy, no preciso identificación
se bien de donde vengo y donde voy
porque soy lo que soy,
y no quien quieras vos.

Mi personalidad no va a cambiar
porque alguien diga como tengo que actuar
pero yo no permito que a mi nadie me mande
yo no soy el hijo de Hernández.

No voy a ser otro porque a usted le conviene
ni aunque mi declaración me condene
se quien soy ande donde ande
yo no soy el hijo de Hernández.

No entiendo nada de genética
pero aun no estoy tan esclerótico
como para creer que soy la réplica
en mi básico árbol genealógico.

No me siga, ni me pida
que sea cómplice en su mentira.

Soy quien soy, no preciso identificación
se bien de donde vengo y donde voy
porque soy lo que soy,
y no quien quieras vos.

Se de donde vengo, se donde voy
por eso se donde estoy,
y no me avergüenza lo que soy
Se cual es mi lugar, y a donde pertenezco
lo que no me corresponde y lo que merezco

Soy sangre de mi sangre, y soy mis costumbres,
Soy mis hábitos y códigos y mis incertidumbres
Soy mis decisiones y mis elecciones
Soy mis acciones, solo y en la muchedumbre

Soy mis creencias y mis carencias,
soy mi materia y mi esencia
Soy mi presencia y mi ausencia,
mi conciencia y mi apariencia
Soy mi procedencia

Soy mi herencia y mi experiencia
Soy mi pasado y mi vigencia
y esa vivencia es la referencia
que con otros me une y me diferencia

Por eso no me pida que mi camino desande,
seguiré gritando aunque me desbande
y que mi voz rebote contra los Andes
Que yo no soy el hijo de Hernández

No, no soy el hijo de Hernández
No, no soy el hijo de Hernández
No, no soy el hijo de Hernández
No, no soy el hijo de Hernández.

Soy quien soy, no preciso identificación
se bien de donde vengo y donde voy
porque soy lo que soy,
y no quien quieras vos.

Hip Hop Mapuche

Fuera de los circuitos comerciales y de las industrias culturales “políticamente correctas” hace varios años que se viene desarrollando una importante movida musical que tiene como protagonistas a jóvenes músicos y artistas del Pueblo Mapuche. Se trata de un nuevo género musical en el que se fusionan instrumentos musicales y temáticas político-sociales-culturales mapuches con ritmos como el hip-hop, rap, cumbia, rock, que se fusionan incluso lingüísticamente ya que tanto las letras como las interpretaciones combinan el castellano y el Mapuzungun. De modo que logran que las jóvenes generaciones puedan reconocerse en sus tradiciones y en su lucha política sin por ello encerrarse a otros ritmos o géneros musicales que son los que escuchan otros desposeídos como ellos, los blancos pobres de los ghettos urbanos de Chile y Argentina. Para la juventud Mapuche, a diferencia de lo que ocurre con los consumos culturales de los jóvenes de clases medias urbanas blancos, es posible conciliar la tradición con la modernidad y lo local con lo global, así como la articulación entre política, cultura, y arte.

Estas son algunos de los artistas de la nueva música Mapuche:

Wechekeche ñi Trawün

We Newen

Wenu Mapu

Puel Kona

Weichafe Newen

Law and Order UK (Series TV)

¿Cómo distinguir lo que hay de distinto entre dos sociedades? ¿Cómo hacerlo cuando no hay diferencia, en el sentido kantiano del término, ya que resulta imposible no remitir la una a la otra en su historicidad? Una de las maneras es comparar la forma en que cada una de estas sociedades administra sus ilegalismos, es decir, poniendo lado a lado su sistema jurídico-policial-penal y las formas que asume la delincuencia en mutua relación de producción y consumo. Los dos casos específicos que tengo en mente son las sociedades británica y norteamericana comparadas a partir de cómo son representadas en la serie de televisión Law & Order en sus dos versiones nacionales.

El éxito de Law & Order US es indiscutible y está a la vista en su insistente permanencia en las pantallas de televisión de los Estados Unidos; la novedad es que el mismo creador y productor de la serie ahora ha producido una versión para la televisión británica que durante este 2009 está emitiendo su primera temporada. Y como no hay mejor forma de captar la esencia de una serie de televisión que analizando su Episodio Piloto voy a intentar hacer su crítica en mi propia clave de interpretación que ustedes, lectores de este blog, ya conocen.

El formato es el mismo en ambas series, hay un crimen, una controversia, resulta difícil establecer quién es el culpable porque el homicidio en cuestión responde a una trama de relaciones sociales desgarrada por la crisis capitalista, la corrupción de funcionarios públicos, la precariedad laboral de los inmigrantes pobres, y fundamentalmente porque las leyes están hechas para preservar prioritariamente la producción, circulación y acumulación del capital y por lo tanto siempre es posible encontrar una interpretación de la ley que resulta beneficiosa para sus personificaciones. La forma en que se administran los ilegalismos es la misma: economía general de poder. Desde luego, la teatralidad del dispositivo judicial es distinta, con su clásica ritualización británica, así como la del dispositivo policial, con agentes mesurados, reflexivos, cultos, habituados a no portar armas de fuego y por lo tanto a usar más su inteligencia y la persuasión que la fuerza. Pero eso no cambia la problemática que comparten ambas sociedades que es la de estar subsumidas a la ética burguesa en la que las cosas tienen más valor que las vidas humanas, y en la que las vidas humanas se negocian como cosas.

Pero hay algo en lo que existe una distancia sideral entre estas dos versiones de Law & Order y que también nos dicen mucho sobre las distinciones entre ambas sociedades, y es en la forma estética que asumen las representaciones en el registro de la retórica de la imagen. Porque la imagen también es discurso y en este caso el discurso de la imagen británica resulta muy superior al de la versión norteamericana, y no me estoy refiriendo solamente a que está mejor filmada, mejor dirigida, mejor actuada, mejor situada, sino a lo que esa representación estética nos dice también sobre las distintas imágenes del mundo que sobre la misma crisis capitalista tienen los británicos y los norteamericanos. Y entre varios ejemplos que podría dar me quedo con aquel que parece ser el que más acerca a ambas sociedades y sin embargo también las aleja entre sí: la cuestión de la inmigración y su impacto sobre la cultura, los códigos, los valores, las reglas y los procedimientos que imprimen a cada régimen de verdad su tinte particular y su propia historicidad. Los extranjeros son representados sin los estereotipos a los que nos tiene acostumbrada el género policial en la televisión norteamericana: ilegales, drogadictos o traficantes, tontos, inadaptados, problemáticos, naturalizándose la justificación de cualquier cosa que les ocurra con el clásico algo habrán hecho y ese algo no es otra cosa que querer vivir en los Estados Unidos. Nada de eso tenemos en la versión británica. Los inmigrantes son pobres y punto. No digo que sea mucho, pero tampoco es nada. Es una distinción y como toda distinción no aplica un juicio de valor y mucho menos una moral, sencillamente una estética que dice mucho en consonancia con la frase que el fiscal utiliza para cerrar su alegato: “vivimos en la misma sociedad, tenemos que cuidarnos entre todos, pensar colectivamente y no individualmente”.

En la ficción el Jurado estuvo de acuerdo con el fiscal y termina condenando la desmesura del Capital. Habrá que esperar para verificar si la sociedad británica se refracta en ese discurso o si no se reconoce en él: el índice más aproximado será la cantidad de temporadas que la serie se mantenga en el aire. ¿Decisión del sujeto espectador? Si, claro, desde luego, pero también de la industria de la televisión en su conjunto.

En fin, más allá de todas estas consideraciones hay una distinción (¿diferencia?) radical entre una y otra serie, la propuesta estética, que en rigor en quizás lo más importante. Para muestra les dejo la presentación de la serie.

Dexter (Series TV) Análisis sociologico Cuarta Temporada

El argumento de la Cuarta Temporada de la serie de televisión Dexter vuelve de alguna manera a la trama originaria presentado en la Primera Temporada: ¿Qué es lo que convierte a un sujeto en asesino serial? ¿Qué lo define? ¿Es alguien constituido socialmente como tal o un simple individuo psicológicamente perjudicado? ¿Cómo se constituye su subjetividad? ¿En tanto sujeto sujetado a un código en que se diferencia de cualquier otro sujeto “normal” sujetado a reglas?

Y por sobre todas las cosas ¿Es más ético el código de Dexter que el de los asesinos seriales que constituyen sus presas de caza? Retorno a la esencia de la serie, retorno a la problemática de lo social hecho cuerpo, cuestionamiento de los límites entre la ley y la ruptura de la ley en el registro del ilegalismo? A diferencia de la primera temporada, sin embargo, tenemos un triángulo: Dexter (Michael Hall), "el Asesino de la Trinidad" (John Lithgow), y el agente especial del FBI Frank Lundy (Keith Carradine), los “lobos solitarios” que llevan consigo un oscuro pasajero cada cual con su código, debatiéndose entre lo que son y lo que se esfuerzan por simular. Portadores de una “personalidad secreta”, efectos de poder, saber, y verdad de una sociedad que también tiene una doble faz, una doble moral, y fundamentalmente un desgarramiento entre lo que la modernidad dice que es y lo que realmente es.

Pero veamos más de cerca este fascinante triángulo en una Temporada en la que el número tres parece ser una clave excluyente:


Dexter y Trinidad: evidentemente la muerte de la madre de ambos constituye el disparador de sus maníacas obsesiones aunque todavía no sepamos las circunstancias que envuelven la muerte de la madre de Trinidad; ambos, además tienen el extraño don de pensar meticulosamente las escenas del crimen para evitar dejar la más mínima evidencia de sus actos. Pero la gran diferencia entre ambos es la que separa a Dexter del resto del universo de los asesinos seriales y que se encuentra en su código, su método, y sus motivaciones. Trinidad, como todo asesino serial, está sujetado a un código, un método, un procedimiento, una estética y una moral propia sólo cognoscible por él y para él, en cambio Dexter ha aprendido el código que le enseñó su padre, un policía de dudosa integridad, y ha elaborado su método en función de su conocimiento y su práctica como parte del dispositivo policial. Trinidad deja sus crímenes expuestos, mata de a tres y usando tres métodos distintos, para luego recomenzar su círculo de eterno retorno a lo mismo; Dexter, en cambio, elimina metódicamente los cuerpos de sus víctimas haciéndolos desaparecer –en trozos- en lo profundo del océano. Trinidad está motivado por factores estrictamente individuales en tanto Dexter, aunque no sea su propósito, cumple un rol social aplicando su propia justicia y siempre y cuando la Justicia haya fallado en castigar previamente a su víctima. Trinidad, entonces, encaja perfectamente en el código de Dexter… ¿encajará Dexter en el código de Trinidad? Dexter es la Némesis de Trinidad.

Dexter y Lundy: Lundy es el mejor especialista del FBI en atrapar asesinos seriales, tiene el instinto y tiene el saber de una larga trayectoria policial y sin embargo este instinto le falla con Dexter en quien cree tener un aliado y quizás hasta un amigo en quien confiar. Lundy lee a Dexter más como alguien que se le parece que como alguien que en rigor constituye su Némesis. Pero nunca olvidemos que fue Lundy, quien sin saberlo estuvo muy cerca de desenmascarar a nuestro querido Dexter.

Trinidad y Lundy: aquí se juega una relación de campeonato del mundo. Trinidad, el asesino serial que solo Lundy ha logrado descifrar y a quien persigue, sin éxito, desde hace treinta años. Trinidad es la obsesión de Lundy y de alguna manera creo anticipar que Lundy estará en la mira de Trinidad. Porque algo ha cambiado en el modus operandi de Trinidad: ha elegido volver a Miami que es donde comenzó todo y eso puede significar dos cosas: dará por completo su ciclo de asesinatos y nunca más lo volverá a hacer, o dará una vuelta de tuerca a su método recomenzando, en formas nuevas, su ciclo de muerte. ¿Tendrá algo que ver Lundy en todo esto?

Los lobos solitarios comienzan a danzar uno alrededor del otro.

Wechekeche ñi Trawün

Homenaje del grupo musical Wechekeche ñi Trawün a Matías Valentín Katrileo, joven Mapuche asesinado el 3 de enero de 2008 mientras participaba de la toma-recuperación de un fundo agrícola reclamado como territorio ancestral. La violenta represión fue llevada a cabo por el Grupo de Operaciones Policiales de Carabineros de Chile que custodiaban el lugar.

¡Marrichiweu! (“diez veces venceremos”)

Twin Peaks (Series TV): análisis

“Bello es el encuentro fortuito sobre una mesa de operaciones, de una máquina de coser y de un paraguas” Lautreamont.


Primera Temporada

En esta primera temporada que acabo de terminar de disfrutar el universo de Lynch se despliega como el rayo en la noche y no es el rayo lo que transgrede sino su capacidad de resaltar al máximo la oscuridad en la que surge y se desvanece casi instantáneamente. Eso es lo que hace Lynch: transgrede resaltando al extremo la precariedad de la condición humana atada a los oscuros pasajeros que habitan detrás de la máscara que nos impone simular ser “normales” en un mundo regido por la sin-razón. Lo que aparece como un mundo “normal”, pacífico, paradisíaco, gentil, honesto, y transparente no es otra cosa que esa máscara que encubre la verdadera normalidad: bizarra, oscura, corrupta, humana… desmesuradamente humana que habita en ese lugar misterioso e inquietante que es el pueblito de Twin Peaks. El rayo es, de alguna manera, el agente especial Dale Cooper (encarnado magistralmente por el actor Kyle MacLachlan), ese recién llegado al pueblo y cuyas visiones, intuiciones, y rígidos hábitos de “agente del FBI” de las grandes ciudades contrasta pero a la vez parece encajar de maravillas para refractar la insana simulación de la cordura que impera por doquier. Y el segundo rayo en la noche no es otro que el de la asesinada Laura Palmer, chivo expiatorio de un oscuro secreto que no debe ser revelado pero que poco a poco va produciendo –con la presencia de su ausencia- una ruptura del límite y un más allá del límite.


Segunda Temporada (Episodios 8-9-10)

Los primeros episodios de la segunda temporada profundizan la estética surrealista del discurso, derrocan el reino del significado y establecen en su lugar el imperio de una multiplicidad de significantes cuya razón reside en su sin-razón. Surrealismo en una serie de televisión, lo que me hace pensar en “El Prisionero” como una referencia arqueológica ineludible de Twin Peaks. Y a la vez, ¿no hay algo de Twin Peaks en la serie de televisión Lost? Me refiero a ese estatuto de no-lugar que comparten la Isla y el Pueblito y a esa insistente red discursiva en la que impera la presencia de una ausencia que domina de un modo extraño y naturalmente sobrenatural la vida y la muerte de los que pertenecen a esa Isla y a ese Pueblito localizados más allá de nuestra espacialidad y nuestra temporalidad y del orden de las palabras, las imágenes, y las cosas que supuestamente gobiernan nuestro mundo.

The Cat Came Back

Dedicado a Claudia, laU, y LaFan


De casualidad hoy me encontré por la señal de cable ISAT con este corto de animación realizado por Cordell Barker y The National Film Board of Canada en 1988 y que está basado en una canción tradicional compuesta por Harry S. Millar; fue nominada para el Oscar al mejor corto de animación en 1989. Hasta aquí el aporte cultural de este post, sin embargo, quien me conoce seguramente hará otra lectura acerca de por qué estoy publicando esto en mi blog. Que lo disfruten los que no son amantes de las mascotas y que presten atención los que lo son. Y aguante el pajarito Tweety (“¡Me parece que he visto a un lindo gatito!”). He dicho.

Don Carlos y Perón

“Quiero ser poeta, y me esfuerzo en volverme Vidente: yo apenas sabría explicárselo y, aunque supiese, usted no comprendería nada en absoluto. Se trata de alcanzar lo desconocido por medio del desarreglo de todos los sentidos. Los sufrimientos que ello conlleva son enormes, pero hay que ser fuerte, haber nacido poeta, y yo me he reconocido poeta. No es culpa mía en absoluto. Nos equivocamos al decir: yo pienso; deberíamos decir: Alguien me piensa. Perdón por el juego de palabras. YO es otro. Tanto peor para la madera que se descubre violín, ¡y al carajo los inconscientes que pedantean acerca de lo que ignoran por completo!” (Arthur Rimbaud).

En este nuevo aniversario del 17 de octubre de 1945 una demostración efectiva sobre el mito del eterno retorno entendido como ciclo y como repetición de lo mismo. No es ciclo es línea recta, reversible, entre lo actual y lo anterior: la parodia, la farsa, no es el reflejo de la realidad sino el revés de la trama de la realidad, es decir, lo que es. Nuestra actualidad quizás sea más escandalosa que paródica, y aún más trágica que lo que supusimos era el límite de la tragedia.

El paradigma de la justicia social peronista magistralmente representado por el genio del burgués incomprendido por su clase pero quien mejor sabe leer lo que el peronismo es, fue, y será… claro, esta es la versión pos-peronista del siglo XXI que se diferencia de la primigenia del siglo XX en que hoy solo hay Circo y ya no hay Pan. ¡Viva Perón!.... no perdón, ¡Grande Don Carlos!

Y claro, lo mejor es hacer memoria y por suerte ahora la tecnología nos permite ayudar a que la memoria si ya no está –o nunca estuvo- vuelva, se regenere, o se produzca, veamos a Don Carlos, no perdón, a Juan Perón, como Don Carlos (otra época, otros trabajadores, otro escenario, otra relación de fuerzas, el mismo discurso), hablándole a los trabajadores desde el mismo espacio simbólico, con la misma ironía, y el mismo autoritarismo-paternalista que se refracta en la tragedia de ayer y en la farsa de hoy.

Battlestar Galactica (Series TV): Lo mejor y lo peor

Aclarado en un post anterior cuál es mi evaluación general de la serie de televisión Battlestar Galactica, ahora corresponde que separemos la paja del trigo y le demos a cada quien lo que le corresponde en mi humilde opinión.

Mejor Episodio: “Piloto” (el primer episodio de la serie)

Peor Episodio: “Daybreak” (el último episodio de la serie)

Mejor Temporada: Primera

Peor Temporada: Cuarta (más precisamente la llamada 4.5)

Mejor Actor: James Callis (“Dr. Gaius Baltar”)

Mejor Actriz: Katee Sackhoff (“Starbuck – Lt. Kara Trace”)

Mejor Personaje: Comandante Bill Adama

Peor Personaje: Presidenta Laura Roslin

Mayor mérito: la estética de la serie que se mantiene siempre en el mismo altísimo nivel del primer al último episodio.

Mayor decepción: las incongruencias argumentales irresueltas (no digo explicadas sino irresueltas) sobre las “proyecciones” de Gaius y Six y sobre la “muerte” de Starbuck.

Mejor Cylon: “Number Six” (Tricia Helfer)

Peor Cylon: “Number Eight-Sharon-Boomer” (Grace Park)

Mención al Mejor Villano: “Number One- John Calvin” (Dean Stockwell)

Cuadro de Honor: Michael Hogan por su interpretación del Coronel Saul Tigh.

Deleuze: sobre Nietzsche

Interpretar

Todo es interpretación pero no todas las interpretaciones tienen el mismo valor o se encuentran en el mismo plano. La verdad y la falsedad dejan de ser sus criterios. Lo noble y lo mezquino, lo alto y lo bajo, se convierten en los principios inmanentes a las interpretaciones y a las evaluaciones de las interpretaciones. Maneras altas y bajas de pensar, de sentir, y hasta de existir que pueden ser viles o nobles, generosas o avaras, creativas o mediocres. No se trata de la verdad de una interpretación sino de algo más profundo, su ethos, su estética, su actitud.

Eterno retorno

No es un ciclo, no presupone lo Uno, lo Mismo, lo Igual, o el Equilibrio. NO es un retorno del Todo; no es un retorno de lo Mismo: pensar así el eterno retorno es simplificarlo, naturalizarlo, mecanizarlo. Lo desigual, lo diferente, es la causa del eterno retorno, porque nada es Igual, porque nada es lo Mismo, “ello” vuelve. El eterno retorno se dice solamente del devenir de lo múltiple: es la ley de un mundo sin ser, sin unidad, sin identidad. Es lo múltiple en cuanto múltiple. Es selectivo. El eterno retorno es el instrumento y la expresión de la voluntad de poder. El eterno retorno no es relativismo histórico de los valores (que postula que los valores establecidos alguna vez fueron nuevos valores, y que los nuevos valores algún día se convertirán en valores establecidos) sino, por el contrario, afirmar que hay valores que nacen ya establecidos y valores nuevos que son las formas superiores de todo lo que es. La cuestión es de reconocimiento y el reconocimiento depende de condiciones que permiten ese reconocimiento. ¿Cuáles son los valores nuevos? La anarquía, el caos; el caos es el eterno retorno, de allí parten las grandes creaciones.

Michel Foucault: problemas

“Nunca he pretendido decir que el poder fura algo que pudiera explicarlo todo; no era mi intención sustituir una explicación basada en la economía por una basada en el poder. Para mi el poder es aquello que debe ser explicado… Los problemas que expongo están siempre vinculados con temas locales y particulares. Si queremos plantear problemas de manera concisa, con precisión, ¿no deberíamos tratar de encontrarlos en sus formas particulares y concretas? La localización de los problemas es indispensable por razones teóricas y políticas. Pero eso no significa que no sean problemas generales. A fin de cuentas, ¿qué es más general en una sociedad que el modo en que define su relación con la locura o el modo en que la sociedad es reconocida como la racionalidad personificada?”

Dexter (Series TV) Analisis sociologico del episodio "Living The Dream"

Atención: en este comentario se revelan detalles de la cuarta temporada de la serie de televisión Dexter aún no emitidos en la Argentina: S04E01 y S04E02.

Esperaba con ansiedad el retorno a la pantalla de la serie de televisión Dexter en su Cuarta Temporada por dos razones que ya he comentado en otras entradas de este blog: en mi opinión Dexter es la mejor serie dramática “realista” de los últimos tiempos (transgresora, ácidamente crítica de la modernidad burguesa, impolíticamente correcta, radicalmente perturbadora del sentido común, discurso hecho cuerpo tanto en la propuesta ética como estética), y también porque la Tercera Temporada me había dejado un sabor amargo no por la trama principal (la relación entre Dexter y su discípulo fallido, Miguel Prado) sino porque las tramas laterales habían logrado opacar precisamente esa trama principal e incluso hacer caer –por momentos para mi gusto a veces muy largos- al propio personaje en contradicciones banales y hasta en cierta moralina al gusto de los señores y señoras que entregan los Emmy.

Pero todo ha vuelto a la “normalidad” (lo que hablando de Dexter tiene múltiples significantes) y nuestro asesino serial-crítico de la sociedad burguesa-psicoanalista-filósofo (ahora padre de Harrison, casado con Rita) ha vuelto renacido de sus cenizas. Es más, la vuelta de tuerca que propone la trama de la Cuarta Temporada (que implica volver al fundamento del personaje, es decir, un asesino serial que mata asesinos seriales) cuestiona aún más los estrechos límites que la modernidad-posmodernidad reserva a los adaptados a vivir el sueño de una noche de verano en el cuestionado corazón del capitalismo global. Tenemos sin duda a una estrella invitada de primer nivel, el genial “malo-desquiciado-sangre fría” de toda película John Lithgow (como el “asesino de la trinidad”), y el “living the dream” que no es precisamente el de Dexter sino el de Rita y de todos los que rodean al querido Dexter y que lo consideran el tipo más normal de toda la vecindad.

Lo mejor de las series de televisión ha retornado a las pantallas, y como siempre la recomiendo a propios y extraños. ¡Bienvenido Dexter Morgan!

Twin Peaks (Series TV)

Siguiendo la recomendación que me hizo laU he decidido invertir tiempo en la serie de televisión Twin Peaks –mas vale tarde que nunca- y luego de ver el Episodio Piloto y el Primer Episodio tengo que decir que efectivamente vale la pena verla. He aquí algunas reflexiones sobre esta primera visita al universo de David Lynch.

Si hay algo que caracteriza a David Lynch es su enorme capacidad para experimentar con el lenguaje cinematográfico proponiendo como método una insistente ruptura con las reglas tradicionales de la narración, lo que se advierte enseguida cuando filma determinados objetos en primer plano y logra conferirles una auténtica capacidad de sugestión sobre el espectador no solo desde una perspectiva estética sino también, y sobre todo, porque hace que los objetos evoquen algo misterioso haciéndolos hablar. A Lynch parecen interesarle más los objetos que las personas o, en todo caso, construir relaciones entre objetos y sujetos en los que ambos interactúan intercambiando lugares y no-lugares dentro de la diégesis. Los objetos, en Twin Peaks, adquieren una capacidad expresiva que contrasta con cierta artificialidad de los personajes que parecen siempre exagerados y estereotipados, de modo que los objetos transmiten un ambiente o clima subjetivo que envuelve a los personajes, y éstos a la vez producen de repente rupturas que permiten resaltar –contra el trasfondo del estereotipo- un efecto de transgresión tanto en su gestualidad como en su discurso. Veamos esto con un poco más de atención.

El aserradero, por ejemplo, se define por su maquinaria cortando la madera pero nunca vemos a los trabajadores trabajando sino, por el contrario, éstos aparecen cuando se decide que las máquinas tienen que ser apagadas: los primeros planos corresponden a los objetos, las máquinas en movimiento, pero no hay primeros planos de los trabajadores. Esto también salta a la vista en la presentación del episodio: maquinarias, pájaros, naturaleza, la carretera, el cartel de bienvenida al pueblo, parecen los protagonistas mientras los créditos van anunciando a cada uno de los actores del reparto. Así, al transcurrir la trama, importa más la escalera que lleva al cuarto de Laura Palmer que lo que puede llegar a expresar el dolor de su madre: la ausencia se hace presencia en el vacío que provoca el enfoque de ese espacio tan cotidiano y normalmente tan escaso de acontecimientos. El “diario” de Laura, la llave, la cámara de video, el video, el collar de oro con el medio corazón, y hasta la piedra que lo cubre al ser enterrado y desenterrado, todos ameritan primeros planos sostenidos, así como el semáforo en la noche, el extraño artefacto con la letra “R” en la uña, parecen piezas de un rompecabezas y, a la vez, algo más que producen una cierta impresión de inquietud en el espectador. De igual modo ocurre con el personaje del agente Dale Cooper preocupado por saber cómo se llaman los árboles del lugar, en el tallado de su silbato de madera, en sus obsesiones por los cuartos de hotel, las comidas, el café, las rutinas más triviales asociadas a objetos de consumo, así como su extraña y misteriosa relación con “Diane” a través de un grabador que no se por qué me da la sensación de que no tiene pilas y no está grabando nada.

En cuanto a los personajes, ¿Qué lugar tienen en esta historia los sujetos? El de ser sujetos sujetados a una compleja trama de relaciones sociales de saber-poder-verdad construida en base a engaños, simulaciones, encubrimientos, falsos sentimientos, secretos que todos conocen excepto quienes deberían conocerlos por ser de su íntima incumbencia (entre padres e hijos, entre esposos y esposas, entre amantes y ex amantes, etc.). Se entiende ent0nces el por qué de esa primera impresión de artificialidad en los personajes que poco a poco, en particular durante el primer episodio, comenzamos a reconocer como personajes detrás de la máscara, una máscara necesaria para que Lynch pueda hacernos ver, radicalmente, lo que los personajes son efectivamente y no lo que parecen ser. Y sin embargo… “no lo saben, pero lo hacen”. La red de poder empieza a dejarse ver y al hacerlo nos enreda en los enmarañados nudos de la condición humana. La definición del pueblo como un lugar donde coexisten “industria” con “aire puro” parece el mejor cierre para este comentario preliminar porque encierra algo más que una contradicción sino seguramente una de las cuestiones de fondo de la trama, aunque todavía estemos en los prolegómenos y todo parezca girar alrededor de un crimen, en un apacible pueblecito, donde acecha un asesino serial.

Battlestar Galactica (Series TV): Ser Cylon

En general los androides y formas de vida artificial que aparecen en las series de ciencia ficción tienen como meta “convertirse en humanos” y entonces la trama de estos personajes se construye como un conflicto entre lo que son y lo que quisieran ser, caso del genial DATA en la serie Star Trek (Nueva Generación). En este aspecto la serie de televisión Battlestar Galactica también opera produciendo una ruptura en el género proponiendo exactamente lo contrario, una máquina a quien quisieron hacer lo más fielmente posible una copia humana que se revela contra sus creadores porque quiere ser, sencillamente, lo que es, una máquina. ¿Cuáles son las razones? Aquí les dejo uno de los más brillantes, transgresores, y políticamente incorrectos discursos de una máquina inteligente que no quiere ser humano. Visto desde esta perspectiva, ¿es tan villano el terrible “Hermano Cavil”? y más aún, ¿no será que esa “villanía” es lo más humano que tiene incorporado a su ser? (Versión en inglés y castellano).


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Brother Cavil: In all your travels, have you ever seen a star go supernova?

Ellen Tigh: No.

Brother Cavil: No? Well, I have. I saw a star explode and send out the building blocks of the Universe. Other stars, other planets and eventually other life. A supernova! Creation itself! I was there. I wanted to see it and be part of the moment. And you know how I perceived one of the most glorious events in the universe? With these ridiculous gelatinous orbs in my skull! With eyes designed to perceive only a tiny fraction of the EM spectrum. With ears designed only to hear vibrations in the air.

Ellen Tigh: The five of us designed you to be as human as possible.

Brother Cavil: I don't want to be human! I want to see gamma rays! I want to hear X-rays! And I want to - I want to smell dark matter! Do you see the absurdity of what I am? I can't even express these things properly because I have to - I have to conceptualize complex ideas in this stupid limiting spoken language! But I know I want to reach out with something other than these prehensile paws! And feel the wind of a supernova flowing over me! I'm a machine! And I can know much more! I can experience so much more. But I'm trapped in this absurd body! And why? Because my five creators thought that God wanted it that way!

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Hermano Cavil: En todos tus viajes, ¿has visto alguna vez una supernova?

Ellen Tigh: No.

Hermano Cavil: ¿No? Bien, yo lo he hecho. He visto una estrella explotar y lanzar fuera los cimientos del universo. Otras estrellas, otros planetas, y finalmente, otra vida. ¡Una supernova! ¡Creándose así misma! He estado allí. Quería verlo. Y ser parte de ese momento. ¿Y sabes cómo percibí uno de los momentos más gloriosos del universo? Con estas ridículas bolas gelatinosas en mi cara. Con unos ojos diseñados para percibir solo una pequeña fracción del espectro EM. Con los oídos diseñados sólo para oír vibraciones en el aire.

Ellen Tigh: Los cinco te diseñamos para que seas lo más humano posible.

Hermano Cavil: ¡No quiero ser humano! ¡Quiero ver los rayos gamma!, ¡Quiero escuchar los rayos X!, y quiero… ¡quiero oler la materia oscura! ¿Lo ves? ¿Ves lo absurdo de lo que soy? Ni siquiera puedo expresar estas cosas apropiadamente porque tengo… tengo que conceptualizar ideas complejas en este estúpido y limitado lenguaje hablado. Pero sé que quiero alcanzarlo con algo que no sean pulgares prensiles y sentir el viento solar de una supernova fluir por mi. ¡Soy una máquina! Y podría saber mucho más. Podría experimentar mucho más. Pero estoy atrapado en este absurdo cuerpo. ¿Por qué? ¡Porque mis cinco creadores pensaron que Dios lo quería de esa manera!


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Top Mejores Detectives (Series TV)

Uno de los géneros televisivos más producidos y consumidos de todos los tiempos es, sin dudas, el género policial. No tengo idea qué porcentaje de todas las series de televisión hechas hasta hoy corresponden al clásico entre policías y ladrones pero de lo que sí estoy seguro es que los guiones televisivos hace rato que han constituido su propia literatura independizándose completamente de la literatura clásica que les diera origen y marcara hace décadas su nacimiento. Hoy las series de televisión de policías y criminales transitan por sus propias sendas e, incluso, ya tienen su propia historia con sus rupturas y continuidades específicas.

En primer lugar tenemos el pasaje del “detective hermeneuta” (“Columbo”, “Baretta”, Law & Order) al “detective científico” (CSI, Criminal Minds, Bones) y del “policía incorruptible y encarnación del bien absoluto” (“Kojak”) al “policía-delincuente” (“Hunter”, “The Shield”) pasando por el “policía ambivalente-traumatizado” (“Las calles de San Francisco”, “Policía de Nueva York”). Hubo una época en que sólo existía el policía hermeneuta que a la vez era incorruptible y encarnación del bien absoluto, pero ahora este policía originario está doblemente escindido: o es científico e incorruptible, o es hermeneuta y corrupto; tampoco hay ya mucho margen para el policía ambivalente ya que ha sido desplazado por el criminal ambivalente que incluso hoy se impone cada vez más como protagonista del policial televisivo. Y aquí resulta interesante resaltar que el criminal ambivalente es siempre hermeneuta –el caso del asesino serial es paradigmático en este sentido- y Némesis tanto del discurso como de la práctica científica criminalística. Excepto, claro está, el genial Dexter que es a mi juicio una serie que opera como punto de inflexión de una nueva dispersión iniciadora de un nuevo género.

¿Qué es ser hermeneuta en este género? Esclarecer el crimen apelando a la intuición y la experiencia, “al olfato” que hace que desde el primer minuto del episodio nuestro detective ya sepa quien es el asesino o el ladrón o el estafador y toda la trama consiste en utilizar la inteligencia para hacer caer en la trampa al delincuente y que éste confiese su culpa. Es el policía solitario, extravagante, ritualista, ordenado, metódico, intuitivo, protagonista excluyente de la trama, cómplice del espectador a quien guía y de alguna manera “enseña” el oficio de interpretar, intuir, y conducir conductas (también es el abogado-investigador en otra variante del género siendo uno de sus paradigmas el famoso “Perry Mason”). Quizás esa extravagancia es la que va derivando con el tiempo en la “ambivalencia” para luego pasar a distintos grados de corrupción incluso de corrupciones más o menos justificadas por el discurso de “la mano-justicia propia”, etc. En la actualidad sería el pasaje de Batman al Joker en un doble sentido: el Joker es el protagonista y, por eso mismo, Batman no es otra cosa que el Joker con otro disfraz.

¿Qué es ser científico en este género? Esclarecer el crimen apelando pura y exclusivamente a un conjunto de saberes y de técnicas científicas –forenses, criminalísticas, expertas, técnicas, psicológicas, conductuales, etc.- Es el reino de la “evidencia”, del positivismo más absoluto y extremo, donde lo que a veces aparece como intuición no es otra cosa que un enciclopedismo típico del “ratón de biblioteca”. En esta variante no se conocerá al criminal hasta el último minuto, la última secuencia, la última escena de la serie, porque de tan objetivos y técnicos a veces se equivocan fiero y van de ensayo y error –no intuitivamente sino por no haber sabido elegir correctamente la técnica o la sustancia o el experimento adecuado- hasta llegar al desenlace final. Es cierto que el detective modelo de este subgénero también suele ser tan extravagante, solitario, etc. al igual que el hermeneuta, sin embargo lo que los diferencia es el sistema de prácticas en el que cada uno se inscribe y es inscripto: el hermeneuta preferirá el bar y tomar su trago mientras que el científico preferirá su laboratorio, la biblioteca, y un buen té chino. Luego, se explica por qué las tramas discursivas de uno y otro se bifurcan, y finalmente terminan contraponiéndose en trayectorias opuestas.

Sea como fuera el mundo policial construido por las series de televisión no deja de reproducir constantemente sus sujetos espectadores y de recrearse a sí mismo en la búsqueda no solo de nuevas y más sofisticadas audiencias sino también y fundamentalmente de achicar cada vez más la brecha entre la ficción y la realidad social, no para anular la diferencia sino para potenciarla y de esa manera habilitar nuevas y variadas formas de legitimación del dispositivo policial en la realidad social a la vez que su deslegitimación en la ficción.

Series TV: antiguas y actuales

En 1970 el Canal 13 de televisión puso en el aire en estreno absoluto, horario 22 horas, lógicamente en blanco y negro, y emitiendo un episodio semanal, la serie de televisión Star Trek (Star Trek Original/Viaje a las estrellas, 1966-1969), yo tenía entonces 13 años y ya era lo que hoy llamamos un “sujeto espectador” de series de televisión. ¿Qué otras series veía en esos tiempos lejanos en versión original y en estreno para el televidente argentino, allí por la década de 1970?:

“Los invasores”
“Perdidos en el espacio”
“Tarzán”
“El hombre nuclear”
“Las calles de San Francisco”
“Kojak”
“La isla de la fantasía”
“La isla de Gilligan”
“El Llanero solitario”
“Kung Fu”
“Bonanza”
“El gran Chaparral”
“Perry Mason”
“Daktari”
“Flipper”
“Misión Imposible”
“Baretta”
“La familia Ingalls”
“Daniel Boone”
“El túnel del tiempo”
“Dimensión desconocida”
“Mannix”
“Viaje al fondo del mar”
“El súper agente 86”
“El avispón verde”
“El santo”
“Batman”
“El agente de CIPOL”


Desde luego mucho agua ha pasado bajo el puente y la mayoría de estas viejas series de televisión hoy aburrirían despiadadamente a los nuevos sujetos espectadores nacidos en la era de la tecnología digital y de la revolución “Lost”, sin embargo quiero decirles que en su momento la mayoría de estas series también me aburrían hace 40 años pero como no había otra cosa para ver (solo 4 canales de aire y ¡nada más!) se veía y listo, sin embargo, ver series malas o simplemente aburridas (por la temática, por el guión, por vaya a saber qué) me permitió acumular saberes sobre lo que funciona y no funciona en una serie de televisión.

Se podría decir también que lo que más cuestionaba de estas series era que no tenían “continuidad” (ni argumental ni en la composición de los personajes)… ¡visionario! … claro tuve que esperar décadas para que los productores decidieran tomar ese camino y, desde luego, no lo tomaron por mis sugerencias sino por el tremendo cambio epocal y societal que estamos viviendo en este pasaje del siglo XX al XXI. Otra cosa que me molestaba es que las series de ciencia ficción –excepto alguna honrosa excepción como Star Trek- eran más bien comedias que dramas, todo bizarro, y además sin un perfil propio ya que muchas de ellas se basaban en el western o en algún otro género preexistente al que se lo traspolaba a alguna situación de “ciencia ficción”, en suma, eran una boludez atómica sin más trámite.

En fin, las series de televisión han sido, son, y seguramente seguirán siendo el producto de ficción más genuinamente televisivo junto con los programas de concursos y la transmisión de eventos en directo. Y en gran medida soy un producto de esas series, de esa época, y de esa televisión.

So Say We All…

Larissa

Hoy hago un homenaje a una de las bailarinas más importantes de la danza clásica argentina que tuvo su paso por los escenarios nacionales e internacionales cuando todavía el ballet no tenía la visibilidad que tiene hoy y además, por lo menos por Argentina, la información todavía no circulaba por Internet. Sin embargo, pude hacer una recopilación de sitios web donde han quedado registrados grandes momentos de su trayectoria. Hoy me pareció que era el día adecuado para publicar este post y decirle a mi hermana, Larisa García Fanlo, que estoy muy orgulloso de ella y que le deseo un enorme ¡FELIZ CUMPLEAÑOS!

PRIX DE LAUSANNE

Diario El País, Madrid, 3 de febrero de 1987

Revista Actualidad en el Arte, Vol. 11, Nro. 55, Buenos Aires

PRIX DE LAUSANNE OFFICIAL SITE

SwissInfo: El PRIX DE LAUSANNE UN DESAFIO ESTIMULANTE


THE AMERICAN BALLET OF NEW YORK

The New York Times, 24 de mayo de 1988

SAB WORKSHOP 1988 - 1

SAB WORKSHOP 1988 -2


THE ROYAL BALLET OF FLANDERS

The New York Times, 22 de noviembre de 1988


TEATRO COLON (BUENOS AIRES)

FUNDACION TEATRO COLON

PREMIO LAUREL DEL PLATA

PREMIO LAUREL DE PLATA 1987

Jacques Lacan: Plusvalía-Plus de goce

“De la plusvalía al plus-de-goce”, Seminario De un Otro al otro, fragmento.
Fuente: El Ortiba



“Marx parte de la función del mercado y su novedad está en el lugar que asigna en éste al trabajo. Lo nuevo no es el trabajo en sí sino el hecho de que se lo compre, de que haya un mercado de trabajo. Esto permite a Marx demostrar lo que su discurso tiene de inaugural y que se llama plusvalía. El caso es que este desarrollo sugiere el acto revolucionario que sabemos. O mejor dicho, que sabemos muy mal, pues no es seguro que la toma del poder haya resuelto la subversión del sujeto –capitalista- que se esperaba de ese acto, y que haya tenido, de hecho, consecuencias muy nefastas al gusto incluso de los marxistas que tuvieron que recogerlas. Pero, por ahora, nos importa poco. Lo importante es lo que Marx señala y lo que su desarrollo significa. Sean o no estructuralistas, estos comentadores de Marx parecen haber demostrado que Marx, por su parte, lo es. Pues propiamente de lo que él es –él como ser de pensamiento, en el punto determinado por el predominio del mercado de trabajo- se desprende como causa de su pensamiento la función –oscura, hay que decirlo, si esta oscuridad se reconoce en la confusión de los comentarios- de la plusvalía”.

Maradona y el fin de una época

Estamos, sin duda, viviendo una época de transición en este transcurrir de finales del siglo XX y principios del XXI, que si bien es global asume en la Argentina (como en cada país) una forma (social) particular así como una forma (individual) singular; el fútbol –como producto social y como dispositivo performativo de subjetividad- no es ajeno a estos cambios. La época Maradona está llegando a su fin y lo hace de una manera típicamente argentina, tanguera y gardeliana: cuesta abajo.

Estamos ante los prolegómenos del fin de uno de los mitos más populares, insistentes y performativos de argentinidad, aquel que decía que teníamos el mejor fútbol del mundo, que existía un “estilo argentino único” para jugar el juego, y que la clave del éxito estaba en el “potrero” o sea jugar a la pelota antes que al fútbol. Hoy se cuentan por centenares los jugadores de fútbol argentinos que han emigrado a Europa, Asia, América Latina e incluso Estados Unidos sin importar edades ni fidelidades; hoy, los jugadores que aún quedan en el medio local (o aquellos que vuelven periódicamente luego de un paso sin pena ni gloria por la vieja Europa) ya no encuentran motivación ni sentido para su profesión no importa que jueguen en la primera división de “un club grande” o en el modesto y mediático Atlas.

Ya no se trata de las “inferiores” sino en el mítico potrero mismo donde comienza a gestarse el ansia de ser “vendido” a un club de ultramar (de modo que los desinteresados papá y mamá se salven económicamente, y el “pibe” sea una estrella mediática no del fútbol sino de la publicidad o el espectáculo). De modo que los jugadores del fútbol local necesitan “incentivos”, “motivaciones”, “regalos”, “psicólogos”, etc. para superar su desgano, desidida, individualismo, ataques de rabia y frustración que descargan en el adversario ocasional, ruptura de los famosos “códigos”, y ruptura “generacional” insalvable entre el “experimentado” y “el pibe”: ahora “el pibe” es el que tiene un futuro (o al menos la posibilidad de tenerlo) y al “experimentado” solo le queda mascullar su bronca y su impotencia generando internas de vestuario o intentando postularse como el Director Técnico “salvador”.

El “amor a la camiseta” ya no existe (si es que alguna vez existió) porque la camiseta se cambia con más frecuencia que las medias y los calzoncillos, ya no hay tiempo de amar una camiseta porque como en el amor ya no hay compromiso que valga, y lo que existe es buscar el modo de convertirse en Beckham y no ya en Maradona. Por eso es el fin de la era Maradona, y claro está tiene que terminar de la mano del propio Diego, ahora en ese rol de Director Técnico que terminará opacando su trayectoria como el mejor jugador de fútbol del mundo de su época porque la verdad, queridos y queridas, es que ni Dios es Argentino, ni Diego es Dios, ni la mano de Dios nos va a salvar de esta rodada.

Diego seguramente “morirá en la suya” y está bien, la época de Diego ya no existe pero si no la remata él mismo corremos el riesgo de que la próxima se repita como farsa. Mejor que no se repita más. La argentinidad tiene que dejar de repetirse a sí misma para que los argentinos tengamos una chance de pasar de una vez al siglo XXI en lugar de quedarnos fijados en el XX. En el fútbol también.

Anabela (Cronica TV)

Si esta no es la argentinidad… la argentinidad ¿donde está? Y lo digo muy en serio, porque la única manera de hacer que lo inexistente marque lo real y se haga visible en todos sus pliegues y dobleces consiste en iluminar los bordes precisamente allí donde la sociedad convierte la violencia simbólica en comicidad y la violencia social de la exclusión en mamarracho espectacularizado. Y de repente dos realidades se sobreimprimen una a la otra mientras se escuchan las voces de los invitados y se muestra el clásico cartel rojo con letras amarillas catástrofes anunciando piquetes, cortes de rutas, y protestas sociales. La argentinidad de fin de siglo XX y principios del XXI está ahí, como corso a contramano y rumbo al Bicentenario: no vamos hacia la posmodernidad sino hacia el feudalismo en su etapa de absoluta e irreversible decadencia. Nos prometieron el tren bala, la nanotecnología, las bombitas de luz de bajo consumo, la des-sojización (sic), y el salto tecnológico, y así fue salvo que el salto fue al vacío y sin red y todavía no llegamos al fondo del pozo que nos está esperando ansioso para que nos estrellemos contra nuestra propia estupidez. Porque, queridos amigos y amigas, a Alfonsín, a Menem, a De la Rua, a Néstor, y a Cristina alguien los voto, ¿o salieron de un repollo argentino? Argentinos y argentinas: ¡Good Show! Y a tener mucha fe, como pedía Palito, que estamos condenados al éxito y que en la exportación de queso está nuestro futuro de grandeza.

Caprica (Series TV): estreno 2010

Parece que por fin está confirmado el estreno de la serie de televisión "Caprica": será el viernes 22 de enero de 2010 cuando se emita el Episodio Piloto y arranque la primera temporada. Espero la llegada de esta serie con gran expectativa ya que pude ver el piloto en versión "preair" y me pareció excelente desde todo punto de vista: transgresora, crítica, actual, y con una estética que dará seguramente que hablar.

Deleuze: la novela negra

Gilles Deleuze, “Filosofía de la serie negra”, 1966, fragmento.


“Es sabido que la sociedad capitalista perdona mejor la violación, el asesinato o la tortura de niños que el cheque sin fondos, único delito teológico y crimen contra el espíritu. Se sabe asimismo que los grandes negocios implican escándalos y crímenes reales; y viceversa, el crimen se organiza como un negocio riguroso, con una estructura tan precisa como la de un consejo de administración o una junta directiva. La serie negra nos ha familiarizado con una combinación de negocios, política y crimen que, a pesar de todos los testimonios aportados por la Historia pasada y presente, no había alcanzado una expresión literaria normalizada…

“En verdad la serie negra ha cambiado nuestros valores y nuestras ensoñaciones referidas a la policía en el momento oportuno. Pero, ¿es saludable que participemos de este estado de cosas mediante una ‘ficción ordinaria’ que le hurta su realidad a la cosa misma y que, de ese modo, disminuye nuestra capacidad de indignación? La indignación surge de la realidad o de la obra maestra. Se diría que la serie negra ha hecho un pastiche de cada gran novelista: un seudo-Faulkner, un seudo-Caldwell, un seudo-Asturias; al principio siguiendo la moda norteamericana y luego redescubriendo los problemas criminales franceses. La serie negra está llena de estereotipos: presentación pueril de la sexualidad, y sobre todo de los ojos de los criminales (solamente Chase ha sabido dar a los asesinos tortuosos una mirada fría, con una fuerte personalidad). Pero la grandeza de la serie negra, la idea de Duhamel, sigue siendo una de las de las más importantes de la edición reciente: una mutación de la visión del mundo que cualquier persona honrada lleva consigo acerca de la policía y los criminales…

“Obviamente no basta un nuevo realismo para hacer buena literatura. Para la mala literatura, lo real en cuanto total es objeto de estereotipación, de infantilización, de ensoñaciones baratas propias de una imaginación imbecilizada. Pero más allá de lo real y de lo imaginario está la parodia. La producción de la serie negra ha sido excesivamente abundante, pero ha mantenido una unidad, una tendencia que periódicamente encontraba expresión en libros excelentes (el éxito actual de James Bond, no integrado en la serie negra, parece señalar una clara regresión literaria que, aunque compensada por el cine, implica la vuelta a la imagen rosa del agente secreto). Los mejores libros de la serie negra son aquellos en los que lo real encuentra su parodia apropiada, y esta parodia nos muestra a su vez, en la realidad, cosas que nunca habríamos descubierto por nosotros mismos… La parodia es la categoría que supera lo real y lo imaginario…

Previously on Lost

Significado y significantes de la palabra Lost

Algo en lo que no se ha puesto atención hasta ahora, y me llama la atención que así sea, es en el análisis del significado y significantes del título de la serie de televisión Lost ya que parece haber sido naturalizado: Lost es Lost. Es cierto que nuestros amigos españoles –en su afán de españolizar todo- han traducido Lost por “Perdidos” pero aquí surge un problema adicional: en inglés Lost sirve tanto en singular como en plural (perdido-perdidos) con lo cual se toma una opción –la de traducir por el plural- a partir de una naturalización que sobreentiende que el título se refiere a los “losties” (en plural), pero nada dice que el significante dentro de la historia no pueda referirse a algo o alguien en singular. Yo podría simplemente afirmar que “Jacob” es el “perdido”, o “Némesis”, etc. etc. y dado el curso que ha tomado el argumento bien podría ser. Además, hay que tener en cuenta que “lost” es el participio pasado de “lose” es decir –atenti con esto- que el título de la serie está más en el flashback que en el flashforward o el presente.

Pero además tenemos un significado, “perdido-perdidos”, que tiene muchos significantes y cómo veremos a continuación, todos parecen encajar con el argumento central de la serie…

Lost (lôst, lst)
v. Past tense and past participle of lose.

adj.
1. Unable to find one's way: a lost child.

2. a. No longer in the possession, care, or control of someone or something: a lost pen.

2. b. No longer in existence; vanished or spent: lost youth.

2. c. No longer known or practiced: a lost art.

3. d. Beyond reach, communication, or influence: The expedition was lost to the world for two months.

3. Not used to one's benefit or advantage: a lost opportunity.

4. Having not been or unlikely to be won; unsuccessful: a lost battle; a lost cause.

5. Beyond recovery or redemption; fallen or destroyed: a lost soul.

6. a. Completely involved or absorbed; rapt: lost in thought.
6. b. Bewildered or confused: I'm lost can you start over?

Idiom: be lost on
1. To have no effect or influence on: Her advice was lost on me.
2. To be beyond the comprehension of: The lecture was lost on us.

Y ahora, a pensar que no cuesta nada… ¿Cuál de todos estos significantes creen que es el más correcto según la interpretación que cada quien hace de la trama de la serie?

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La desaparición de la Isla

Un misterio del que se habla poco y nada pero que considero la madre de todos los misterios de la serie de televisión Lost: ¿Qué pasó con la Isla? ¿Por qué desapareció? Además, no puedo sacarme de la cabeza el hecho de que Ben Linus termina moviendo la rueda que mueve la Isla a instancias de lo que “Christian-Némesis” le dice a John Locke en la “cabaña”… entonces mover la Isla era parte del plan de Némesis aunque no lo era que fuera Ben el que lo hiciera sino que debía hacerlo John. Bueno, Némesis como sabemos se las arreglará para que finalmente sea John el que mueva la rueda pero ¿por qué no se mueve la Isla en esta segunda oportunidad? ¿O se mueve y no lo vemos? Claro está, también es cierto que “hay que mover la Isla” –según interpreta John- porque Jack abandonará la Isla y “se supone que no haría tal cosa”… es decir, si Jack “juega” para Jacob… ¿es parte del plan que abandone la Isla o que se quede?...

Sea como sea no hay que olvidarse que Lost tiene un protagonista principal y ese protagonista es “la Isla”… por eso es que pienso que tarde o temprano todos los caminos conducirán (eso espero) a develar el misterio mayor: ¿Qué lugar es esta Isla? ¿Es como solía decir John un lugar donde ocurren milagros? ¿O es acaso el no-lugar de lo real y por lo tanto un desierto inaccesible a lo humano?